Personalmente creo que el blues es vida, tal como la vivimos hoy en día, tal como la hemos vivido en el pasado, lugares y cosas. Creo que mientras tengamos gente, lugares y cosas, siempre tendremos blues.
BB King
Uno de los músicos con menos fortuna del Blues fue sin duda Big Maceo, un gran pianista que no pudo saborear las mieles de su éxito debido a una grave enfermedad, la cual desembocaría en su prematura muerte. Digamos que Big Maceo era ese corredor de fondo, con una meta que se lo podría antojar totalmente imposible, pero con una voluntad de hierro, que le haría traspasar cualquier meta. El pequeño genio de Georgia lograría colocar varios éxitos en las salas de Chicago, ciudad que le vio crecer como músico. Su habilidad y su inconfundible voz, la cual jugaba en algunos momentos con el tono falseado sería una de sus marcas para entrar dentro del salón de la fama. Siendo un gran músico que hubiera merecido mucho más...
Major Merriweather nace un 31 de marzo de 1905 en Atlanta, Georgia. De su infancia poco o nada se ha legado hablar, tan solo que fue un músico autodidacta, el cual aprendería a tocar el piano, por sí mismo y de oído, marchándose en 1924 a vivir a Detroit para trabajar en la fábrica automovilística de la Ford, mientras iría compaginando su trabajo con la afición que le movería por las noches de los clubes, la música. 20 años después daría el salto definitivo para trabajar dentro de su pasión, tocar el piano. Mudándose de nuevo hacia la ciudad de Chicago.
Su inicio dentro de la ciudad de Chicago no podría haber sido mejor, en su llegada se haría amigo de un guitarrista llamado Tampa Red, guitarrista de Chicago que influiría sus técnicas a grandes músicos como Muddy Waters, o Elmore James entre otros. Los dos juntos grabarían para la Bluebird, "Worried life Blues", convirtiéndose la canción en un gran éxito inesperado, el cual inundaría las radios de su música. La canción sería inspirada por "Someday baby Blues", un tema del músico Sleepy John Estes, cantante y guitarrista de Tennessee. La canción con los años llegaría a obtener muchas más versiones. En algunos casos juntaban el tema de Big Maceo y el de Sleepy John Estes, música y letras de cada una.
Su éxito no fue momentáneo, ni mucho menos efímero, llegando a seguir la senda con canciones como "Chicago breakdown", las cuales son consideradas hoy en día como unos templos del verdadero Blues. Para Big Maceo su profesión no sería tampoco estancarse, el empezaría a aprender la técnica de los músicos Albert Ammons y Meade Lux Lewis, estoy hablando del Boogie-woogie. También llegaría a copiar las técnicas de otros pianistas como Leroy Carr, y al mismo tiempo influyo a otros músicos en vida como fue Henry Gray, músico que siempre tuvo en su boca al maestro Maceo, y en su corazón, el cual le enseño y le impulso dentro de su carrera como músico profesional.
El destino le pasaría una mala factura, en 1946, un derrame cerebral le incapacitaría su lado derecho, llegando a tener que abandonar los escenarios. Big Maceo intento superar esa crisis por todos los medios que él tenía y hasta en el 1947 llegaría a subirse otra vez a un escenario junto a Eddie Boyd, músico que se encargaría del piano, en 1949 repetiría con Johnny Jones. Su estado de salud seguiría recayendo hasta que un 23 de marzo de 1953 fallecería de un ataque al corazón.
En el año 2002 sería ingresado en el salón de la fama del Blues. Llegando a una curiosidad. Big Maceo no tendría una lápida digna hasta el 2008, conseguida con los fondos que se obtuvieron en el Festival de Blues de White Lake.Evento que llego a organizar el productor Steve Salter.
Si hay alguien en el que me fijo a la hora de querer superar un reto, es Jeff Healey. Un gran músico que hizo llevar el Blues hasta en su forma más dura a la hora de enfocarlo, un gran músico que no tuvo barreras para poder demostrar que él también tuvo una cabida dentro de los grandes maestros de la historia del Blues. Un músico que en sus últimos años de vida oriento su forma de sentir el mundo de la música en un tono más acorde con el Jazz, la historia de por sí, le merece un hueco dentro de los más grandes guitarristas de Blues. Él lo tuvo todo, la técnica, la pasión por el instrumento que tocaba y sobretodo la vehemencia a las grandes figuras que hicieron un día el músico que siempre fue, el músico que nunca será borrado, aunque este ya hace años que no esté entre nosotros.
Norman Jeffrey nació un 25 de marzo de 1966 en la ciudad de Toronto. Al poco de nacer se quedaría huérfano, siendo adoptado por una familia humilde. Sus desgracias no vendrían separadas y cuando estaría a punto de cumplir un año sería diagnosticado con un cáncer en los ojos. El cual le dejo invidente de por vida.
Pero pasando a lo musical, su pasión por la guitarra nacería desde una edad muy temprana, desde los tres años esta sería su mejor amiga, así hasta a los quince, cuando formaría su primer grupo Blue direction, junto a Jeremy Littler, Graydon Chapman, y Rod Quail. Siendo un cuarteto que harían covers en los clubs locales de Toronto. Llegando a tocar en uno de los más importantes de Jazz de la ciudad, el Colonial tavern. Con el paso del tiempo, Healey se iría metiendo mucho más dentro de la cultura del Jazz y del Blues a través de la emisora de radio CIUT-FM.Llegando a tener un programa dentro de la emisora. Allí le presentarían a los músicos Joe Rockman, y Tom Stephen, con quienes fundaría "The Jeff Healey band". Trío con el que consigue su más notorio éxito, siendo desde el principio presentado como una de las sensaciones más grandes del Blues de Toronto. Bird nest sería el local elegido para ser su primera aparición en público. El trío de músicos irían ascendiendo como la espuma, llegando a ser comparado Jeff Healey con el mismísimo Stevie Ray Vaughan. Hasta que en 1988 firmarían el contrato con su primer sello discográfico, con el que graba el álbum "Se the light". Un gran disco que se colaría en el puesto número 50 dentro de los 100 mejores álbumes de Canadá del año.
El álbum sería coproducido por Jimmy Lovine, empresario cinematográfico y musical que sería más conocido por sus labores de producción en discos como "Born to run" de Bruce Springsteen, "Bat out the hell" de Meat Loaf, o el "Ruttle and hum" de U2. Greg Landayi, productor de Indiana que falleció hace poco, entre sus trabajos a la labor de producir esta "Runningon Empty", y "Hold out" de Jackson Browne, "In the spirit of things" de Kansas, o "Behing the mask" de Fleetwood Mac.Y Thom Panunzio, el productor más veterano de los tres, con una gran lista de trabajo entre las mejores estrellas del Rock, con Alice Cooper, Bob Seger, Deep Purple, o Aerosmith entre otros grandes nombres del Rock. Tres pesos pesados que dirigirían un álbum repleto de composiciones de John Hiatt, Fredd Koller o Freddie King, además de las composiciones propias del guitarrista Jeff Healey. Con un gran número de músicos que se implicarían dentro de la grabación, como es el guitarrista Robbie Blunt (Robert Plant), el percusionista Bobbie Hall, o Benmont Tench a los teclados (miembro fundador de Tom Petty and Heartbreakers). Dando lugar a un discreto éxito donde llegarían a vender unas 60.000 copias en Inglaterra, consiguiendo así el disco de plata, y un triple platino en su propio país, Canadá. Del álbum destaco canciones como "Angel eyes", canción que alcanzaría el puesto número 5 dentro de la lista de los Billboard. Siendo la canción que dio nombre al álbum la que es más reconocida, y al mismo tiempo, más interpretada dentro de los conciertos del fenomenal guitarrista, "See the light".
El disco serviría además para que Jeff Healey recibiera una nominación a los premios Grammy, y como nota cinematográfica, el grupo aparece dentro de un film del actor Patrick Swayze, Red House, encargándose al mismo tiempo de la banda sonora de la película.
En 1990 aparecería el segundo álbum de la banda, "Hell to pay".
El álbum sería producido por Ed Stasium, ingeniero y productor que ha llegado a trabajar con los Ramones, Living Colour, Motörhead, o Talkin Heads. El álbum vuelve a recoger otra gran sección de canciones de john Hiatt, del propio Jeff Healey, en el que destaco el tema que compuso junto a Joe Rockman y Tom Stephen "Full circle", Steve Cropper y Jimmy Scott, o el mítico tema de George Harrison, "While my guitar gently weeps", cover en la que llega a tener la colaboración privilegiada de su compositor, el cual puso voz a los coros y el sonido de la guitarra acústica. Mark Knopfler estaría también con su tema "I think I love you too much", sumándose al equipo de músicos que estarían dentro de la grabación Paul Shaffer, director musical del programa de David Letterman. Su segundo álbum sería compuesto por más canciones propias del grupo que en su primer trabajo. El cual volvería a obtener muy buenas sensaciones dentro de las listas de ventas, posicionando más singles dentro de éstas mismas, y llegando a asentarse en más países europeos. El álbum sería un gran paso para asentarse como una banda estable, llegando a posicionar hasta 5 singles dentro de las listas de las radios.
El éxito del grupo dentro de las listas de ventas se iría menguando frente a nuevos estilos emergentes que irían saliendo en la primera época de la década de los noventa, como por ejemplo el Grunge.De esta forma la banda empezaría a explorar con otros ritmos musicales, con oros estilos llegando a crear varias fusiones con la electrónica y con el rap. Llegando a crear el álbum "Feel this" en el 1992, siendo este un disco que poco o nada se llegó a saber más allá de las fronteras de su país, Canadá, El álbum sería el primero en ser producido por el propio Jeff, el cual llegaría a contar con viejos amigos como Paul Shaffer. Calidad tenía, y la verdad es que en este álbum se vio al guitarrista totalmente pletórico, dentro de un álbum que recogería la esencia del Blues fusionada. Donde el propio músico se ve más a gusto y sin ningún tipo a apretaduras. Desgraciadamente ese estimulo no lo recogería las ventas del álbum. Pasando a estar entre los 50 mejores álbumes del año en los Estados Unidos, a estar en el puesto 174. Tal vez esto fuera una de los motivos por el cual el sello discográfico llegaría a cerrar el contrato con el artista, llegando a firmar otro disco tres años después.
"Cover to cover" sería un álbum sensato, hecho con corazón en el cual rendía tributo a todos los músicos que hicieron lo que él fue en su día. Un gran guitarrista de Blues.
Thom Panunzio regresa para ayudar a sus amigos y así producir junto a ellos esta maravillosa obra, la cual trata de rendir homenaje a los grandes del Blues a través de la música de estos tres fantásticos músicos. Los cuales hicieron de la banda su propia familia. Cover to cover fue expuesto con las canciones que habrían estado llevando a los repertorios de sus conciertos, y que de una forma ya querían quedar su huella impresa en una grabación en estudio. Un álbum imprescindible para los que quieran entender mucho mejor las raíces del fabuloso guitarrista con canciones de Jimi Hendrix, Robert Johnson, Howlin 'Wolf, Empezando a reventar el sonido de su guitarra con el tema "Shapes of things" de los Yardbirds, la imprescindible en sus repertorios "Stop breaking down" de Robert Johnson, o la adaptación fabulosa de "Communication breakdown" de Led Zeppelin. Versión que cambian las letras y voz por el sonido espectacular de una armónica. Para terminar el solo con su guitarra a traves del tema "Me and my crazy self" de henry Glover y Syd Nathan. Junto a ellos estaría un músico muy habitual de la banda en lo que se refiere al estudio, hablo de Paul Shaffer, y en la armónica estaría el maestro John Popper, miembro fundador de la banda Blues traveler. El álbum llegaría a posicionarse en el número 1 dentro de los discos de Blues de la lista Billboard, llegando a sacar cuatro singles, llegando a alcanzar dos de ellos el puesto número 33. Con este álbum la Jeff Healey Band se despediría de la casa discográfica Arista, sello con el que habrían firmado sus cuatro álbumes en estudio.
El blues en los últimos años había empezado a dar nuevos talentos que traería consigo mismo una renovación dentro de los estilos musicales. De alguna forma Jeff Healey lo habría entendido así desde que se llegó hacer música. Siendo el propio Healey una persona que no le gustaba acomodarse y que siempre estaría buscando lo mejor de si mismo, como un gran talento musical. Pero en los próximos 5 años, la banda no grabaría nada nuevo, tal vez porque las casas discográficas ya no eran lo que fueron en su día, y el arriesgar por sacar álbumes que no darían cifras millonarias harán que Jeff Healey perdiera peso en el mercado discográfico. Así fue como el 3 de julio The Jeff Haley Band editarían bajo el sello discográfico Eagle, el álbum "Get me some" último álbum en estudio de la banda. Siendo este un gran álbum que prácticamente pasaría desapercibido por las listas de ventas.
Además Get me some significaría el último álbum de Blues-Rock del maestro Jeff Healey. El cual empezaría a adentrarse en los sonidos del Jazz. Llegando a aprender a tocar la trompeta, y tocar con ella en directo. De su último álbum con la Jeff Healey Band destaco los temas "Feel better", "Macon Georgia Blue", el cual va alternando la guitarra eléctrica con la acústica. También el tema con el que su día se llegaría a conocer el disco, "My Life Story". El álbum sería producido por Martí Frederiksen, Arnold Lanni, Jim Scott, Richard Chycki y la propia banda. Los cuales cerrarían para siempre un ciclo dentro de sus vidas.
Con la entrada del siglo XXI, para el gran músico le supondría un cambió. Por un lado empezaría su carrera en solitario, mucho más orientada al Jazz (como había dicho anteriormente). Donde llegaría a grabar tres álbumes de Jazz de principios del siglo XX, "Among friends", "Adventures in Jazzland", y "It's Tight Like That". Con el tiempo volvería a formar una nueva banda de Blues, "The Jezz Healey Blues Band". Con los que llegaría a grabar un álbum para el sello Ruffhouse, "Mess of Blues". Álbum que sería editado póstumo a su muerte. En enero del 2007 sería intervenido de un cáncer de pulmón. Su batalla contra la enfermedad venció un 2 de marzo del 2008. Allá a donde estés, que el Blues siempre vaya contigo...
